Scrivere per il cinema significa pensare in immagini, azioni e silenzi prima ancora che in parole. Questo modulo affronta la sceneggiatura come architettura narrativa al servizio della messa in scena, con un’attenzione costante alla realizzabilità del testo.

• Struttura drammaturgica e archi narrativi: i principi della narrazione a tre atti, i turning point, il midpoint, l’evoluzione e la trasformazione del personaggio come motore della storia
• Anatomia della scena: come costruire unità narrative che funzionano — obiettivo, conflitto, ostacolo, azione, posta in gioco, sottotesto e progressione drammatica all’interno della singola scena
• Dialogo cinematografico: economia della parola, ritmo, registri linguistici, sottotesto e tutto ciò che distingue un dialogo scritto per lo schermo da uno scritto per la pagina o per il palcoscenico
• Dal testo al set: come scrivere pensando alla realizzazione — indicazioni visive, descrizioni funzionali, gestione dello spazio e del tempo nella scrittura, e il rapporto tra sceneggiatore e regista nella fase di pre-produzione

Il lavoro con l’attore è spesso la dimensione più sottovalutata e insieme più decisiva della regia. Questo modulo esplora come costruire un dialogo creativo efficace, ottenere performance autentiche e gestire la componente umana del set con precisione e sensibilità.

• Comunicazione regista-attore: come formulare indicazioni concrete, operative e non astratte — lavorare con verbi d’azione, immagini sensoriali e riferimenti situazionali invece di aggettivi vaghi o indicazioni emotive generiche
• Il lavoro sulle intenzioni e il sottotesto: guidare l’attore nella costruzione dell’obiettivo della scena, degli ostacoli, dell’ascolto reattivo e della vita interiore del personaggio tra una battuta e l’altra
• Gestione della performance sul set: continuità emotiva tra i ciak, gestione dell’energia nelle riprese multiple, ripetibilità dell’interpretazione e calibrazione dell’intensità in funzione del tipo di inquadratura (piano largo vs primo piano)
• Naturalezza e precisione davanti alla camera: tecniche per ridurre l’artificiosità, lavorare con il micro-gesto e la microespressione, e ottenere verità emotiva senza sacrificare il controllo tecnico della performance

Nessun film esiste senza qualcuno che lo renda possibile. La produzione è l’arte di trasformare un’idea in un progetto realizzabile, gestendo risorse, tempi, persone e imprevisti. Questo modulo affronta la produzione come disciplina creativa e strategica, non solo logistica.

• Il ruolo del produttore: cosa significa produrre in tutte le fasi del progetto — dallo sviluppo alla pre-produzione, dalle riprese alla post-produzione e alla distribuzione, con un focus sulle competenze trasversali richieste dal ruolo
• Pianificazione e gestione delle risorse: breakdown della sceneggiatura, piano di lavorazione (shooting schedule), budgeting anche a micro-budget, gestione delle location, permessi, contratti e rapporti con cast e troupe
• Problem solving e priorità operative: come prendere decisioni rapide sotto pressione, gestire gli imprevisti sul set, mantenere la coerenza del progetto quando le condizioni cambiano e proteggere la visione registica senza sforare i vincoli produttivi
• Produzione indipendente e sostenibile: strategie per rendere realizzabile un progetto anche con risorse limitate — dall’autoproduzione al crowdfunding, dalla gestione snella del set alla distribuzione alternativa su piattaforme digitali e nel circuito dei festival