Film che hanno fatto la storia - \"Il cantante di jazz\" (1927)

Il cinema è una macchina del tempo. Ogni film è una finestra su un’epoca, un riflesso delle idee, delle tecnologie e delle sensibilità artistiche che lo hanno generato. Guardando i film che hanno segnato la storia del cinema, possiamo osservare non solo l’evoluzione del linguaggio cinematografico, ma anche i cambiamenti culturali, sociali e tecnologici che hanno trasformato il modo in cui raccontiamo e viviamo le storie.

Ci sono film che hanno introdotto innovazioni tecniche rivoluzionarie, altri che hanno ridefinito il concetto stesso di narrazione. Alcuni hanno lasciato un’impronta indelebile nella cultura popolare, altri hanno cambiato per sempre il modo in cui pensiamo al cinema. Ogni grande film è il risultato di un momento storico preciso, di scelte artistiche coraggiose e di attori, registi e sceneggiatori che hanno saputo trasformare il loro tempo in immagini indimenticabili.

Questa rubrica esplora quei film che, per un motivo o per un altro, hanno lasciato un segno nella storia del cinema. Opere che hanno cambiato il modo in cui il pubblico guarda il grande schermo, influenzato generazioni di cineasti e ridefinito i confini di ciò che il cinema può essere.

Il film di oggi è...

Quando si parla di "Il cantante di jazz" (The Jazz Singer), diretto da Alan Crosland e uscito nel 1927, si parla di un punto di rottura. Questo non è semplicemente un film, ma una soglia storica: è il momento in cui il cinema, per la prima volta, trova la sua voce. Il cinema sonoro non nasce tecnicamente con questo titolo – esperimenti precedenti esistevano già – ma The Jazz Singer è il film che segna l’inizio dell’era del sonoro nella cultura popolare, aprendo un nuovo capitolo per l’industria e per il linguaggio cinematografico.

È il film che, come si dice, “fece parlare il cinema”. O più precisamente, che lo fece cantare.

Ma se si va oltre l’etichetta di "film sonoro", ci si trova davanti a un’opera che, per quanto imperfetta e controversa, riflette la tensione tra tradizione e modernità, tra identità culturale e aspirazioni individuali. Un film dove la musica non è solo novità tecnica, ma motivo narrativo ed esistenziale.

The Jazz Singer è l’adattamento cinematografico di una pièce teatrale di successo, ispirata alla vita di Al Jolson, l’attore protagonista, che già all’epoca era una delle più grandi star del vaudeville americano. Il film racconta la storia di Jakie Rabinowitz, figlio di un cantore liturgico ebreo (un chazzan), destinato a ereditare la tradizione familiare e a cantare nella sinagoga, come hanno fatto suo padre e suo nonno prima di lui.

Ma Jakie ha altri sogni: è appassionato di musica popolare e vuole diventare un cantante di jazz. Infrangendo la volontà paterna, cambia nome in Jack Robin, lascia la comunità ebraica e tenta la fortuna nel mondo dello spettacolo.

La tensione tra il protagonista e la sua famiglia cresce fino al punto di rottura. Mentre Jakie ottiene finalmente un’opportunità per esibirsi in uno spettacolo importante, il padre si ammala gravemente e la comunità lo richiama: serve qualcuno che canti il Kol Nidre, il brano più sacro della liturgia ebraica, durante il Giorno dell’Espiazione (Yom Kippur).

Jakie si trova così diviso tra la chiamata della tradizione e l’ambizione personale. Il finale del film è un compromesso: Jack canta per il padre morente, onorando la sua eredità, ma riesce anche a salire sul palco e realizzare il suo sogno. Nella scena finale, canta per un pubblico entusiasta, mentre sua madre lo guarda dalla platea: è un momento di riconciliazione, ma anche il simbolo del passaggio da un’epoca all’altra.

Tecnicamente, The Jazz Singer non è un film completamente sonoro. È un film ibrido, che alterna scene mute (con le classiche didascalie) a brevi segmenti sonori registrati con il sistema Vitaphone, una tecnologia che sincronizzava le immagini con dischi fonografici. La maggior parte dei dialoghi è ancora scritta a schermo, ma ci sono alcune sequenze chiave in cui si sente la voce di Al Jolson, che canta e parla direttamente al pubblico.

E sono proprio queste frasi – in particolare quella celebre:

“Wait a minute, wait a minute. You ain’t heard nothin’ yet!” – a segnare l’inizio di una nuova era.

Non era mai successo prima che uno spettatore al cinema sentisse un attore parlare in sincronia con la sua immagine sullo schermo. Fu uno shock. Il pubblico reagì con entusiasmo, e da quel momento niente fu più come prima.

Nel giro di pochi anni, il cinema muto sparì quasi completamente. Studios, attori e registi dovettero reinventarsi. Il suono non era più un esperimento: era diventato la nuova grammatica del cinema.

Oltre alla sua importanza storica e tecnica, Il cantante di jazz è anche un film profondamente radicato nei temi dell’identità culturale e della trasformazione personale.

La storia di Jakie/Jack è quella di un uomo che cerca di reinventarsi, ma che deve fare i conti con le proprie radici. In un’America che negli anni ‘20 si stava urbanizzando rapidamente, e dove gli immigrati cercavano di integrarsi nel tessuto sociale, il film rappresentava un conflitto universale: il peso delle aspettative familiari, il senso di colpa, la voglia di diventare “qualcun altro”.

Il passaggio da Jakie a Jack non è solo una questione di nome: è il segno di un’identità che si frammenta e si ricostruisce. Non a caso, il film ha avuto una forte risonanza tra le comunità ebraiche, ma anche tra altri gruppi di immigrati, che vedevano in Jakie il simbolo di una doppia appartenenza, spesso vissuta come conflitto.

E poi c’è il tema della musica come linguaggio dell’anima, come mezzo di emancipazione. Il jazz, simbolo della modernità e della contaminazione culturale, si oppone alla musica liturgica, solenne e radicata nella tradizione. Jakie canta per la fede, ma sogna di cantare per il mondo.

Per quanto rivoluzionario e importante, The Jazz Singer non è un film privo di aspetti problematici, soprattutto se visto con gli occhi di oggi.

Durante il suo spettacolo, Jack Robin si esibisce in blackface, una pratica in cui attori bianchi si dipingevano il volto di nero per rappresentare stereotipi razzisti della cultura afroamericana. Questa usanza, comune nel vaudeville e nei minstrel show dell’epoca, è oggi giustamente considerata offensiva e discriminatoria.

La presenza del blackface nel film è parte del contesto storico e culturale in cui è stato realizzato, ma solleva interrogativi importanti su come l’intrattenimento abbia costruito (e legittimato) forme di rappresentazione razzista.

Al Jolson, da parte sua, era una figura complessa. Di origini ebraiche, immigrato dalla Lituania, usò il blackface anche per esplorare la propria "diversità" all’interno della società americana, ma non per questo la pratica è meno discutibile. Jolson fu anche un sostenitore della musica afroamericana e aiutò diversi artisti neri nella loro carriera. Ma il punto è che Il cantante di jazz, come opera, rappresenta un crocevia tra innovazione e contraddizione.

Impatto e eredità

L’uscita di The Jazz Singer fu un terremoto. Gli incassi furono altissimi, e la Warner Bros., che fino a quel momento era uno studio minore, si trasformò in una potenza dell’industria. Il successo commerciale del film spinse tutti gli altri studios a investire nel sonoro. Nel giro di due anni, il cinema muto era stato quasi completamente sostituito.

Più in profondità, però, il film lasciò un segno anche sul piano culturale. Aprì un dibattito su cosa significasse essere “americano”, su come l’intrattenimento potesse diventare il luogo della fusione tra tradizioni, lingue, religioni.

Il modello narrativo del “figlio ribelle” che si emancipa dal padre, per poi cercare una forma di riconciliazione, divenne una costante del cinema americano: da Il Padrino a Footloose, da Rebel Without a Cause a La La Land, l’eco di The Jazz Singer risuona ancora.

Conclusione: un’opera che segna un prima e un dopo

Il cantante di jazz è, per molti versi, un film "di passaggio": a metà tra il muto e il sonoro, tra il teatro e il cinema, tra la tradizione e la modernità. È un film che, pur con i suoi limiti e le sue ombre, ha cambiato per sempre il corso del cinema.

Al centro della sua storia, c’è un uomo che vuole cantare. E in quel gesto – così semplice, così potente – si racchiude tutto il desiderio del cinema stesso: essere visto, ma anche sentito. Dare voce a un sogno che, fino a quel momento, si era espresso solo con immagini.

Da quel momento in poi, il cinema non fu più muto. Ma Il cantante di jazz ci ricorda che la voce del cinema non è fatta solo di parole: è fatta di conflitti, di emozioni, di identità che si cercano. È fatta – soprattutto – di coraggio.