Film che hanno vinto i \"Big Five\" agli Oscar

Vincere un Oscar è già un’impresa, ma conquistare i "Big Five" – ovvero le cinque categorie più prestigiose agli Academy Awards – è un traguardo che pochissimi film hanno raggiunto nella storia del cinema.

Per "Big Five" si intendono i premi per:

Miglior Film

Miglior Regia

Miglior Attore Protagonista

Miglior Attrice Protagonista

Miglior Sceneggiatura (Originale o Non Originale)

Ottenere la vittoria in tutte e cinque le categorie significa non solo avere un grande impatto sul pubblico e sulla critica, ma anche essere perfetti sotto ogni punto di vista: dalla regia alle interpretazioni, fino alla scrittura del film.

Nella storia degli Oscar, solo tre film hanno raggiunto questo traguardo leggendario. Ecco quali sono e perché hanno dominato la notte degli Academy Awards.

Il primo film della storia a conquistare tutti e cinque i premi principali agli Oscar fu Accadde una notte (It Happened One Night), una commedia romantica diretta da Frank Capra e interpretata da Clark Gable e Claudette Colbert.

Vincendo gli Oscar per Miglior Film, Miglior Regia, Miglior Attore, Miglior Attrice e Miglior Sceneggiatura, Accadde una notte rivoluzionò anche il genere della commedia romantica, diventando un modello per decenni di cinema successivo.

La storia ruota attorno a Ellie Andrews (Claudette Colbert), una giovane ereditiera viziata che fugge dal padre per poter sposare un uomo che lui disapprova. Durante la sua fuga, incontra Peter Warne (Clark Gable), un giornalista squattrinato che riconosce l'identità della ragazza e fiuta l'occasione per scrivere uno scoop sensazionale. Ellie e Peter iniziano un viaggio avventuroso attraverso l’America, viaggiando su autobus e facendo autostop. Tra battibecchi, situazioni esilaranti e momenti di autentica tenerezza, i due finiscono per innamorarsi, ma il loro amore sarà messo alla prova quando Ellie dovrà scegliere tra la sicurezza della sua vecchia vita e la spontaneità della nuova relazione.

Perché vinse tutti i Big Five?

1. Una sceneggiatura brillante e innovativa

La sceneggiatura di Robert Riskin ridefinì il genere della commedia romantica, introducendo molti degli elementi che oggi consideriamo standard:

Il rapporto "opposti che si attraggono": Peter è cinico e disilluso, Ellie è testarda e viziata, ma il loro viaggio insieme li porta a cambiare e crescere.

Il viaggio come metafora della trasformazione: Non è solo un viaggio fisico attraverso l’America, ma anche un viaggio emotivo che trasforma entrambi i protagonisti.

Il sottotesto sociale: Il film fu girato negli anni della Grande Depressione, e Capra volle mostrare uno spaccato realistico dell’America dell’epoca, con riferimenti alle difficoltà economiche e alla lotta per la sopravvivenza.

2. La regia di Frank Capra: un maestro della commedia

Frank Capra era già un regista noto, ma con Accadde una notte trovò la formula perfetta per mescolare romanticismo e comicità.

Il film ha un ritmo impeccabile, con dialoghi brillanti e una costruzione narrativa perfetta. Capra riuscì a dirigere due star difficili da gestire (né Gable né Colbert volevano fare il film) e a tirar fuori da loro interpretazioni leggendarie. Le scene più iconiche del film, come la lezione su come fare autostop o il "muro di Gerico" che separa i due protagonisti nelle stanze d’albergo, sono diventate riferimenti immortali nella storia del cinema.

3. Clark Gable: un’interpretazione leggendaria

Clark Gable vinse l’Oscar per la sua interpretazione di Peter Warne, un giornalista scaltro, ironico e dal fascino irresistibile. La sua performance definì l’archetipo del protagonista maschile delle commedie romantiche: affascinante, cinico, ma con un cuore d’oro. Il modo in cui interagisce con Claudette Colbert è magistrale: i loro scambi di battute sembrano perfettamente naturali, rendendo il film ancora più coinvolgente. Curiosità: Gable inizialmente non voleva fare il film e accettò il ruolo solo perché lo studio lo obbligò. Ironia della sorte, questa divenne una delle performance più amate della sua carriera.

4. Claudette Colbert: un’eroina romantica moderna

Colbert vinse l’Oscar per la sua interpretazione di Ellie Andrews, e il suo personaggio segnò un cambiamento nel modo in cui le donne venivano rappresentate nelle commedie romantiche. Ellie è capricciosa e testarda, ma non è una semplice "dama in pericolo". Durante il viaggio, dimostra intraprendenza e carattere, imparando a cavarsela in situazioni difficili. Il suo rapporto con Peter è alla pari: non è una storia d’amore dove l’uomo domina la donna, ma un racconto di crescita reciproca. Una delle scene più famose del film è quella in cui Ellie usa la gamba per fermare un’auto facendo autostop, un momento di grande comicità che divenne un’icona del cinema dell’epoca.

Dopo Accadde una notte (1934), passarono 41 anni prima che un altro film riuscisse a vincere i Big Five agli Oscar. Nel 1976, Qualcuno volò sul nido del cuculo (One Flew Over the Cuckoo’s Nest), diretto da Miloš Forman, conquistò l’Academy con una storia intensa e sovversiva, diventando il secondo film della storia a ottenere i cinque premi principali:

🏆 Miglior Film

🏆 Miglior Regia – Miloš Forman

🏆 Miglior Attore Protagonista – Jack Nicholson

🏆 Miglior Attrice Protagonista – Louise Fletcher

🏆 Miglior Sceneggiatura Non Originale – Lawrence Hauben, Bo Goldman

Il film è un potente attacco contro l’autorità e il conformismo, una storia che mette in discussione i sistemi di potere e il concetto stesso di normalità.

Il film è tratto dal romanzo omonimo di Ken Kesey e racconta la storia di Randle Patrick McMurphy (Jack Nicholson), un delinquente che si finge malato di mente per evitare la prigione e finisce internato in un ospedale psichiatrico. Qui si scontra con l’Infermiera Ratched (Louise Fletcher), una donna autoritaria che gestisce l’ospedale con metodi rigidi e repressivi. McMurphy, con il suo spirito libero e ribelle, cerca di portare vitalità e gioia tra i pazienti, ma il suo atteggiamento mette in discussione l’intero sistema dell’istituto.

Perché vinse tutti i Big Five?

1. Una sceneggiatura potente e sovversiva

La sceneggiatura di Lawrence Hauben e Bo Goldman trasformò il romanzo di Kesey in un racconto universale sulla libertà e il potere. Il film non è solo un dramma su un ospedale psichiatrico, ma una metafora della società e dei suoi meccanismi repressivi. McMurphy rappresenta la libertà, il desiderio di vivere senza costrizioni, mentre l’Infermiera Ratched simboleggia il potere che controlla e punisce chiunque tenti di ribellarsi. Il rapporto tra McMurphy e gli altri pazienti è commovente: lui li sprona a vivere, a ridere, a giocare, facendogli riscoprire la loro umanità.

2. La regia di Miloš Forman: realismo e intensità

Il regista cecoslovacco Miloš Forman portò nel film un realismo brutale, che rese la storia ancora più coinvolgente e autentica. Scelse di girare molte scene all’interno di un vero ospedale psichiatrico, con pazienti reali e personale medico vero, per rendere l’atmosfera più credibile. Gli attori passarono settimane interagendo con i pazienti, vivendo come se fossero davvero ricoverati. L’uso della macchina da presa è essenziale e quasi documentaristico, con inquadrature strette sui volti per enfatizzare la tensione e il senso di claustrofobia.

3. Jack Nicholson: un’interpretazione che ha fatto la storia

Jack Nicholson era già un attore affermato, ma con Qualcuno volò sul nido del cuculo divenne una leggenda del cinema. Il suo Randle McMurphy è carismatico, ribelle e trascinante, un uomo che combatte il sistema con ironia e vitalità. Nicholson riempie ogni scena con la sua presenza magnetica, passando da momenti di leggerezza e comicità a scene di profonda sofferenza. La sua interpretazione è così autentica e intensa che lo spettatore sente il suo dolore e la sua frustrazione, rendendo il finale ancora più devastante.

Nicholson vinse il suo primo Oscar, dando vita a uno dei personaggi più iconici della storia del cinema.

4. Louise Fletcher: il volto della repressione

Se Nicholson è l’anima ribelle del film, Louise Fletcher è la sua controparte glaciale. La sua Infermiera Ratched è uno dei villain più spaventosi di sempre, non perché urla o usa la violenza fisica, ma perché esercita il controllo con freddezza e manipolazione psicologica. Con il suo tono di voce calmo e il suo sguardo impassibile, Ratched rappresenta il potere che non ha bisogno di alzare la voce per distruggere un uomo. La performance di Fletcher è così inquietante che il personaggio divenne il simbolo della burocrazia repressiva, un’icona della crudeltà travestita da ordine e disciplina.

5. Un film rivoluzionario nel suo impatto

Quando Qualcuno volò sul nido del cuculo uscì nelle sale, ebbe un impatto enorme. Il film vinse l’Oscar in un’epoca dominata dai grandi film d’autore della New Hollywood, dimostrando che il cinema poteva essere politico, sociale e profondamente umano allo stesso tempo. La pellicola influenzò il modo in cui il pubblico vedeva la malattia mentale, mostrando come spesso i pazienti venissero più repressi che curati. Il finale straziante e il destino di McMurphy scossero profondamente il pubblico, rendendo il film un manifesto contro ogni forma di autoritarismo.

Nel 1992, Il silenzio degli innocenti (The Silence of the Lambs) divenne il terzo e ultimo film nella storia degli Oscar a vincere tutti i Big Five, consacrandosi come uno dei thriller più iconici e acclamati di sempre.

Prima di allora, nessun film del genere horror/thriller psicologico aveva mai vinto il premio per il Miglior Film, e la sua vittoria segnò un punto di svolta nella storia dell’Academy.

Gli Oscar vinti:

🏆 Miglior Film

🏆 Miglior Regia – Jonathan Demme

🏆 Miglior Attore Protagonista – Anthony Hopkins

🏆 Miglior Attrice Protagonista – Jodie Foster

🏆 Miglior Sceneggiatura Non Originale – Ted Tally

Con una trama avvincente, interpretazioni straordinarie e una tensione costante, Il silenzio degli innocenti riuscì a trascendere il genere thriller, diventando uno dei migliori film mai realizzati. La storia segue Clarice Starling (Jodie Foster), una giovane agente dell’FBI che viene incaricata di catturare un pericoloso serial killer noto come Buffalo Bill. Per farlo, deve chiedere aiuto a Hannibal Lecter (Anthony Hopkins), uno psichiatra geniale ma anche un assassino cannibale, rinchiuso in un manicomio criminale. Mentre Clarice cerca di ottenere informazioni da Lecter, tra i due si sviluppa un gioco mentale carico di tensione, in cui il dottore manipola la giovane agente, scavando nei suoi traumi e nel suo passato.

Il film culmina in una caccia all’ultimo respiro, con un finale angosciante che rimane impresso nella memoria dello spettatore.

Perché vinse tutti i Big Five?

1. Una sceneggiatura perfetta: tensione, psicologia e mistero

Adattato dal romanzo di Thomas Harris, il copione scritto da Ted Tally è un capolavoro di scrittura cinematografica. Il film gioca con la mente dello spettatore, alternando momenti di pura tensione a dialoghi profondi e inquietanti tra Clarice e Lecter. La sceneggiatura è intelligente e raffinata, evitando i cliché del genere thriller e offrendo un ritratto psicologico complesso sia dei criminali che dei protagonisti. La costruzione del rapporto tra Clarice e Lecter è uno degli aspetti più affascinanti del film: una dinamica basata sulla manipolazione, sulla paura e su un rispetto reciproco sottile e ambiguo. Uno degli elementi più geniali del film è la scelta di non mostrare quasi mai la violenza direttamente, ma di suggerirla attraverso dialoghi e dettagli visivi, aumentando l’angoscia e il senso di minaccia.

2. La regia di Jonathan Demme: tensione e simbolismo

Jonathan Demme riuscì a trasformare un thriller poliziesco in un capolavoro cinematografico, adottando uno stile di regia che amplificava la tensione e la profondità psicologica del film. L’uso frequente di primi piani ravvicinati – soprattutto nelle scene tra Clarice e Lecter – immerge lo spettatore nei dialoghi, creando un senso di claustrofobia e inquietudine. Il contrasto tra la freddezza glaciale di Lecter e la vulnerabilità di Clarice viene enfatizzato attraverso inquadrature asimmetriche e giochi di luce. Il montaggio parallelo nel climax finale – con l’FBI che crede di aver trovato Buffalo Bill, mentre Clarice si trova realmente nel covo del killer – è uno dei momenti più tesi della storia del cinema.

3. Anthony Hopkins: il miglior villain della storia del cinema

Sebbene appaia solo 16 minuti sullo schermo, Anthony Hopkins offrì una delle interpretazioni più iconiche di tutti i tempi, trasformando Hannibal Lecter in uno dei villain più affascinanti e inquietanti del cinema. L’uso della voce calma e ipnotica, con un leggero accento britannico, rende Lecter ancora più spaventoso. I suoi sguardi fissi e penetranti danno la sensazione che stia leggendo dentro l’anima degli altri personaggi (e dello spettatore stesso). La scena della fuga di Lecter, in cui trasforma il carcere in una macabra opera d’arte, è un momento di cinema puro, dimostrando quanto il personaggio sia tanto geniale quanto mostruoso.

4. Jodie Foster: una protagonista coraggiosa e vulnerabile

Se Hannibal Lecter è l’antagonista perfetto, Clarice Starling è un’eroina fuori dagli schemi. Jodie Foster offre un’interpretazione intensa e sfaccettata, mostrando una Clarice che è allo stesso tempo forte e vulnerabile. Il film suggerisce più volte che Clarice deve lottare contro il sessismo nel mondo dell’FBI, rendendo la sua determinazione ancora più ammirevole. Il rapporto con Lecter è ambiguo e affascinante: lui cerca di scoprire i segreti della sua anima, mentre lei tenta di non farsi sopraffare dalla sua mente manipolatrice.

5. Un thriller che rivoluzionò l’Academy

Prima di Il silenzio degli innocenti, i thriller e gli horror venivano raramente presi sul serio dall’Academy. La vittoria del film cambiò le regole, dimostrando che un film di genere poteva essere considerato alta arte cinematografica.