La risposta onesta è: dipende dal motivo per cui lo scegli.

Se scegli un monologo famoso perché ti veste bene, ti rende leggibile, ti fa entrare subito nella situazione e non ti costringe a imitare nessuno, allora può essere un’ottima idea. Se invece lo scegli solo perché “è un pezzo forte”, “lo conoscono tutti” o “ha già dimostrato di funzionare”, stai partendo male.

Allo stesso modo, se scegli un monologo sconosciuto perché hai trovato un testo davvero centrato sulla tua energia e sulla tua età scenica, benissimo. Ma se lo scegli solo per sentirti più originale degli altri, anche lì rischi di sbagliare bersaglio.

Io credo che il criterio più utile sia questo: il testo ti aiuta a essere preciso o ti sta facendo giocare a nascondino? Perché spesso il monologo famoso ti espone troppo, mentre quello sconosciuto ti illude di proteggerti. Ma nessuno dei due, da solo, ti salva.

Per evitare di partire già storti, conviene tenere fermo un principio base: come scegliere quello giusto. Il nome del testo viene dopo. Prima viene la sua aderenza a te.

Molti attori arrivano al primo self tape o al primo set con una buona sensibilità interpretativa, ma con poche informazioni pratiche davvero utili. Sanno lavorare sul testo, magari hanno studiato presenza scenica, memoria, intenzioni. Ma poi si trovano davanti a una telecamera, a un regista che dà indicazioni rapide, a un fonico, a un DOP, a una troupe che si muove con tempi serrati.

Quello che in teoria sembrava chiaro diventa improvvisamente instabile. Dove guardo? Quando mi muovo? Quanto devo aspettare prima della battuta? Come si comunica con i reparti? Cosa si intende davvero per blocking? E soprattutto: quali errori fanno sembrare inesperto un attore, anche quando non lo è?

Questa masterclass nasce esattamente per colmare quello spazio. Non per sostituire un percorso di studio, ma per mettere a fuoco alcune consapevolezze che possono cambiare radicalmente il modo in cui un attore si presenta davanti a una macchina da presa.

La serata sarà divisa attorno a 7 punti fondamentali, di cui 5 già annunciati e 2 riservati esclusivamente alla diretta.

Il primo tema riguarda il self tape, che oggi è spesso il primo vero contatto tra un attore e un casting. Non basta registrarsi bene: bisogna capire cosa comunica davvero un self tape nei primissimi secondi. Quali dettagli trasmettono presenza, preparazione, credibilità. E quali errori — tecnici o interpretativi — possono compromettere subito una candidatura.

Il secondo punto è il linguaggio del set. Per chi è all’inizio, o anche per chi ha già avuto esperienze ma sente di non padroneggiare ancora il contesto, questo è uno degli aspetti più sottovalutati. Ogni set ha un vocabolario, una grammatica invisibile fatta di parole, tempi, gesti e silenzi. Conoscerla non è un dettaglio: significa poter lavorare meglio, capire al volo cosa sta accadendo e comunicare in modo professionale con regista, fonico, DOP e troupe.

Poi ci sono gli errori comuni, quelli che quasi tutti fanno la prima volta. Errori di continuity, blocking confuso, tempi sbagliati, reazioni fuori asse. Piccole cose, a volte, ma sufficienti per creare difficoltà sul lavoro. Sentirli raccontare da chi li ha osservati davvero sul campo è utile perché li rende immediatamente concreti. Non teoria astratta, ma dinamiche che succedono sul serio.

Il quarto blocco riguarda le dinamiche di produzione. E qui si apre un mondo. Perché un attore, per stare bene sul set, deve anche capire la macchina che lo circonda. Sapere come si passa dalla pre-produzione al set, quali sono i tempi reali, come funzionano ruoli e gerarchie, cosa significa “wrap”, perché certi ritardi pesano, come si sta dentro un processo collettivo senza farsi travolgere.

Infine, uno degli elementi più preziosi: le esperienze concrete dal mondo del cinema. Casi reali, aneddoti, lezioni dirette. Quelle cose che difficilmente si trovano nei manuali, ma che restano addosso perché vengono dall’esperienza. Ed è spesso lì che si impara di più.

A questi cinque temi si aggiungono due punti pratici che verranno condivisi solo in diretta l’8 giugno. Ed è una scelta intelligente: non per creare mistero a tutti i costi, ma perché alcune cose funzionano meglio quando vengono spiegate dal vivo, nel contesto giusto, davanti a domande reali.

A guidare l’incontro sarà Luca Ferdinandi, attore, formatore e direttore editoriale di RC, nonché Co-fondatore dell’ecosistema. Il suo profilo ha un valore particolare proprio perché tiene insieme più livelli del mestiere: la formazione attoriale, la conoscenza tecnica del set e una visione editoriale e culturale del cinema.

Diplomato all’Accademia d’Arte Drammatica, Luca Ferdinandi ha lavorato, tra gli altri, come assistente alla regia del film The Garbage Man e come aiuto regista del documentario sul Concertone del Primo Maggio 2025. È inoltre direttore editoriale del più grande database italiano di monologhi cinematografici.

La risposta più onesta è: a chiunque voglia smettere di immaginare il set in modo romantico e iniziare a capirlo davvero.

Può essere utile agli attori alle prime esperienze, che sentono il bisogno di orientarsi meglio. Ma anche a chi ha già fatto provini o lavorato davanti alla camera e si è accorto che mancavano strumenti pratici. E persino a chi arriva da una formazione più teatrale e vuole comprendere meglio la specificità del lavoro cinematografico.

Perché recitare per il cinema non significa soltanto “essere veri”. Significa essere veri dentro un ambiente tecnico, coordinato, preciso. E riuscire a restare presenti anche mentre tutto intorno segue logiche produttive molto rigide.

La masterclass non è l’Élite Class. Ha un suo senso autonomo, una sua utilità concreta, una sua promessa chiara. L’Élite Class, in partenza a settembre 2026, rappresenta infatti l’approfondimento strutturato di molte delle questioni che emergeranno durante la serata: 10 mesi di formazione, 40 lezioni live, classi a numero chiuso e diploma ufficiale RC.

Il rapporto giusto, però, è questo: la masterclass apre una porta, l’Élite Class mostra cosa c’è oltre. Senza forzature.

La masterclass si terrà lunedì 8 giugno 2026 alle 20:30, online su Google Meet, con una durata prevista di circa 2 ore. La partecipazione è gratuita, ma i posti sono limitati e l’iscrizione è obbligatoria.

Chi si prenota riceverà una mail di conferma e, nei giorni precedenti alla diretta, il link di accesso alla stanza Google Meet.