Monologo femminile - Julia Roberts in \"Mangia, Prega, Ama\"

Mangia, prega, ama (titolo originale: Eat Pray Love), film del 2010 diretto da Ryan Murphy e tratto dall’omonimo bestseller autobiografico di Elizabeth Gilbert. Un film che, a prima vista, potrebbe sembrare una favola di auto-scoperta tutta viaggi, cibo e spiritualità. Ma sotto quella patina da diario patinato, se lo si guarda con attenzione, c’è una struttura narrativa molto precisa, con tematiche che ruotano attorno a concetti come il desiderio di controllo, la fuga da sé stessi, la ricerca del perdono (soprattutto verso se stessi) e il significato concreto di connessione.

Liz Gilbert (interpretata da Julia Roberts) è una scrittrice di successo che vive a New York, ha un marito, una bella casa e una carriera ben avviata. Ma qualcosa dentro di lei è fuori fuoco. La sua crisi esistenziale esplode nel momento in cui si rende conto che sta vivendo una vita che non sente più sua.

Decide di divorziare e intraprende un viaggio lungo un anno in tre Paesi diversi:

Italia (Mangia) – Dove si concede il lusso di vivere e gustare il piacere del cibo e della convivialità.
India (Prega) – Dove si ritira in un ashram per cercare un contatto profondo con la spiritualità e provare a fare i conti con la colpa e il senso di vuoto.
Bali (Ama) – Dove incontra Felipe (Javier Bardem) e dove inizia a rimettere insieme i pezzi del suo cuore, ma da una prospettiva diversa.

Liz attraversa una crisi personale che mette in discussione le fondamenta su cui aveva costruito la propria identità: il matrimonio, la carriera, la routine sociale. Il film mostra che la ricerca di sé non passa attraverso una risposta definitiva, ma attraverso l’accettazione del cambiamento e dell’instabilità. In Italia, Liz si libera dalla colpa del “non fare abbastanza”. È la parte del viaggio che parla del corpo, del piacere non finalizzato a uno scopo. È lì che pronuncia una delle battute chiave: “You don’t need a man, Liz. You need a champion.” E quel campione, lo capirà, deve essere prima lei stessa.

Durante il soggiorno in India, Liz affronta la sua necessità di avere sempre il controllo delle situazioni. L’ashram diventa il simbolo del tentativo di gestire il caos interiore con la disciplina, ma anche del fallimento di un certo approccio “razionale” alla guarigione emotiva. La spiritualità, nel film, non viene trattata come una verità assoluta, ma come un processo. Gente come Richard from Texas (uno dei personaggi più riusciti del film) serve a ricordare che i demoni interiori non si sconfiggono con un mantra, ma guardandoli in faccia.

Il film insiste molto sul perdono, ma non lo mostra come un gesto eroico o simbolico. È qualcosa che Liz fatica a concedere, soprattutto a sé stessa. L’India è il capitolo in cui si fa i conti con la colpa del fallimento matrimoniale, con l’orgoglio ferito e la delusione di non essere stata “abbastanza”. Qui il perdono è una cosa sporca, faticosa, non illuminata da aure spirituali.

Quando arriva a Bali, Liz ha fatto il pieno di parole, silenzio, cibo e riflessioni. Ma resta ancora qualcosa: l’idea che l’amore non debba servire a riempire un vuoto, ma che possa esistere nonostante l’autosufficienza. Felipe non è il salvatore, non è la chiusura del cerchio. È un compagno di percorso. E il fatto che Liz lo accetti senza annullarsi segna il vero punto di svolta del suo viaggio.

Liz mette a confronto due livelli di sofferenza: quello “storico”, enorme, indicibile dei rifugiati cambogiani, e quello “relazionale”, confuso e apparentemente banale, delle storie d’amore finite male. Il contrasto è volutamente sbilanciato. Si parte dal genocidio e si finisce con il tradimento sentimentale. Eppure, il monologo ci dice che, anche dopo aver vissuto l’orrore, ciò che resta è il cuore. L’amore, le sue complicazioni, i suoi nodi non risolti. Il punto non è dire che le sofferenze sono equivalenti. È dire che, a livello emotivo, quello che ci muove – e ci tormenta – è spesso qualcosa di molto piccolo in confronto al mondo.

Ma è nostro.

Liz si prende in giro. È una donna che ha avuto tutto: carriera, viaggi, cultura. E ora ha uno sciamano balinese davanti a sé, un maestro spirituale. Potrebbe chiedergli come illuminarsi, come diventare una persona migliore, come trovare la pace. E invece cosa fa? Parla di un uomo. Di quella storia d’amore. È un modo sottile per dirci: “Non ho capito niente, ma voglio capirlo”. E il film comincia proprio da questo punto.

C’è una risata trattenuta in questa narrazione, ma è una risata che copre una voragine. Liz usa l’ironia per sopportare il peso della propria crisi. In questa scena Julia Roberts recita in sottrazione: la voce è calma, quasi neutra, ma c’è una malinconia latente. È il tono di chi ha già pianto molto e ora sta cercando di mettere ordine. Di darsi una narrazione accettabile. Il monologo serve anche a normalizzare una cosa che spesso viene stigmatizzata: soffrire per amore. In un mondo pieno di problemi ben più gravi, sentire che la fine di una relazione ti sta consumando può sembrare superficiale. E invece, qui, quella sofferenza viene legittimata. Esiste. È reale. E va attraversata.