Monologo - Luisa Ranieri in \"Parthenope\"

Con Parthenope, Paolo Sorrentino torna a raccontare Napoli, ma questa volta lo fa attraverso lo sguardo di una donna che porta il nome stesso della città. Il film segue la protagonista lungo un arco di vita che va dagli anni '50 al presente, intrecciando crescita personale, sensualità, morte, superstizione e disincanto. Se È stata la mano di Dio era un racconto di formazione maschile legato alla perdita e al sogno del cinema, qui Sorrentino costruisce un’epopea femminile in cui l’identità si fonde con la storia e i miti della città partenopea.

Parthenope nasce nel 1950, in un contesto di privilegi e protezione familiare, ma la sua crescita è segnata da rapporti complessi con gli uomini che la circondano: il fratello Raimondo, morbosamente attratto da lei; Sandrino, il ragazzo di umili origini che la ama senza speranza; il professore Marotta, che ne intuisce la profondità senza mai lasciarsi coinvolgere davvero. Attorno a Parthenope si muovono figure maschili fragili, ossessionate, incapaci di contenere il loro desiderio o il proprio dolore. Lei, invece, attraversa la vita con una sicurezza che non è mai solo ostentazione, ma anche difesa: la sua bellezza non è un dono, è un peso, e il mondo attorno a lei le ricorda continuamente che tutto ciò che possiede può trasformarsi in condanna.

La sua vicenda assume una struttura quasi da romanzo di formazione, ma Sorrentino evita la narrazione classica della donna che cerca emancipazione in un contesto ostile. Parthenope non si ribella in modo plateale, non fugge da Napoli per realizzarsi altrove. Resta, osserva, sperimenta, fino a rendersi conto che l’unica fuga possibile è interiore. La vacanza a Capri con Raimondo e Sandrino è uno dei momenti centrali del film. L’isola, da sempre simbolo di bellezza e decadenza, diventa il luogo in cui l'equilibrio precario della protagonista si spezza. Il suicidio del fratello è uno spartiacque che segna la fine della sua giovinezza e la condanna a un senso di colpa che la accompagnerà per tutta la vita. La famiglia, anziché sostenerla, la esclude, aggiungendo un ulteriore strato di isolamento. L'ossessione di Raimondo per la sorella assume una sfumatura tragica e inevitabile, quasi mitologica. Lui, incapace di amare chiunque al di fuori di Parthenope, si spezza davanti alla consapevolezza di non poterla avere. Qui Sorrentino gioca con il tema dell’incesto in un modo che richiama certi drammi classici: non c’è nulla di esplicito, ma il sottotesto è chiaro e pesa su ogni interazione tra i due.

Dopo la morte di Raimondo, Parthenope tenta di reinventarsi attraverso il cinema, ma ancora una volta si scontra con il lato oscuro delle illusioni. L'incontro con Flora Malva, l’attrice sfigurata, e Greta Cool, la diva dimenticata, le mostra che la fama è solo un’altra forma di prigionia. Il cinema si rivela un mondo crudele, dove il tempo divora chiunque non riesca a reinventarsi costantemente. È un'ennesima lezione sulla caducità delle cose: la bellezza, il successo, l’adorazione del pubblico sono effimeri e spesso conducono alla solitudine. L’episodio con il cardinale Tesorone è uno dei più potenti del film. Sorrentino intreccia sacro e profano in una scena carica di simbolismo: il rapporto sessuale tra Parthenope e il prelato avviene mentre il sangue di San Gennaro si liquefà. La fede popolare si mescola con la corporeità, il miracolo diventa un fenomeno fisico, quasi animalesco. Tesorone, pur essendo un uomo di Chiesa, è cinico e consapevole della costruzione artificiosa della spiritualità napoletana. Il miracolo non è altro che un rito collettivo, un bisogno umano di credere in qualcosa. Parthenope, che fino a quel momento aveva osservato tutto con distacco, accetta di partecipare al gioco, forse per pura curiosità, forse per capire fino in fondo il meccanismo che regola la città. Questa scena chiude il cerchio sulla tematica della femminilità come forza catalizzatrice: Parthenope è testimone del desiderio, del peccato, della fede e della superstizione. È il fulcro attorno a cui ruotano le ossessioni degli uomini, eppure non è mai realmente posseduta da nessuno.

Nel 2023, ormai in pensione, Parthenope torna a Napoli e a Capri. È il momento della riconciliazione con il passato. La città, sempre uguale e sempre diversa, la accoglie con la stessa indifferenza con cui l’aveva vista andare via. Qui Sorrentino inserisce il calcio come metafora: la festa per il terzo scudetto del Napoli diventa il simbolo di una città che vive di momenti, che riesce a celebrare la vittoria anche dopo aver attraversato dolori e crisi.

Parthenope, dopo anni di distanza, si rende conto di essere parte di Napoli tanto quanto Napoli è parte di lei. Il suo viaggio non è stato una fuga, ma un ritorno a sé stessa.

La struttura del monologo è diretta e senza fronzoli. Greta Cool non usa metafore elaborate né giri di parole: il suo linguaggio è netto, tagliente, quasi spietato. Ciò che colpisce subito è il modo in cui la donna si rivolge ai napoletani: non con un "noi", ma con un "voi". Greta si è ormai dissociata dalla sua città, anzi, sembra voler rimarcare con forza la sua estraneità. Greta accusa i napoletani di essere "trasandati e folkloristici", due parole che racchiudono un'intera narrazione su Napoli vista dall'esterno. Il folklore, che spesso viene celebrato come un valore culturale, qui è ridotto a un segno di arretratezza, qualcosa di cui vergognarsi. Il trasandato non è solo un riferimento estetico, ma un giudizio morale: Napoli non è solo disordinata, ma anche incapace di cambiare, rassegnata alla propria decadenza.

Eppure, dietro questo attacco feroce, si avverte un sottotesto più complesso. Greta parla con una rabbia che non è solo distacco, ma anche frustrazione. Il suo odio sembra quasi il risultato di una battaglia interiore, come se il suo esilio non fosse una liberazione, ma una fuga forzata. Il suo dichiararsi "salvata" suona più come un'autoaffermazione che come una verità sentita. Un altro elemento chiave del monologo è il continuo riferimento all’autodistruzione: "Siete poveri, vigliacchi, piagnucolosi, arretrati. Rubate e recitate male." Qui Greta colpisce al cuore l’identità stessa dei napoletani.

Li dipinge come persone incapaci di affrontare la realtà senza cercare scuse, prigioniere di un vittimismo che li porta a incolpare sempre qualcun altro. Il riferimento agli "invasori di turno, il politico corrotto, il palazzinaro senza scrupoli" è un chiaro attacco a una mentalità che, secondo lei, ha sempre trovato giustificazioni esterne per le proprie difficoltà, senza mai assumersi la responsabilità del proprio destino. Ma il passaggio più crudele arriva alla fine: "Io mi sono salvata, ma voi no. Voi siete morti." Qui Greta sancisce la sua separazione definitiva da Napoli. Non solo si dichiara estranea alla città, ma addirittura ne decreta la morte. È una sentenza inappellabile, che mette i napoletani in una posizione in cui non esiste nemmeno la possibilità di redenzione. Eppure, proprio in questa affermazione estrema si nasconde la fragilità del monologo. Se Greta fosse davvero convinta di essersi salvata, se fosse davvero libera da Napoli, sentirebbe il bisogno di dirlo con tanta veemenza? Il suo sfogo, così radicale e violento, suggerisce più un dolore represso che una vera liberazione.