Monologo Maschile - Johnny Depp in \"Paura e delirio a Las Vegas\"

Il film di Terry Gilliam, tratto dal romanzo di Thompson, è una folle discesa nel lato più autodistruttivo del sogno americano, ma qui emerge la sua vera anima: il racconto di un’illusione perduta. Attraverso un flusso di pensieri che mescola presente e passato, Duke ripercorre l’ascesa e la caduta di un’era, concludendo con un’immagine emblematica: l’onda della controcultura, che sembrava inarrestabile, si è infranta e si è ritirata.

Paura e delirio a Las Vegas (Fear and Loathing in Las Vegas, 1998), diretto da Terry Gilliam, è un viaggio surreale e allucinato attraverso il lato più folle e autodistruttivo del sogno americano. Tratto dall’omonimo romanzo semi-autobiografico di Hunter S. Thompson, il film segue il giornalista Raoul Duke (Johnny Depp) e il suo avvocato, il dottor Gonzo (Benicio del Toro), in una discesa vertiginosa tra droghe, paranoia e delirio.

Siamo negli anni '70. Duke, alter ego di Hunter S. Thompson, riceve l’incarico di coprire una corsa motociclistica nel deserto del Nevada per una rivista. Con l’anticipo ricevuto, parte per Las Vegas con il suo avvocato, portando con sé un arsenale di sostanze stupefacenti: LSD, mescalina, etere, anfetamine, cocaina e altro ancora. Ma la corsa è solo un pretesto. Da subito, il viaggio si trasforma in un'odissea psichedelica: tra allucinazioni, hotel devastati e incontri assurdi, i due si muovono in una città che sembra amplificare la loro follia. Duke si trova a lottare con la paranoia e il disorientamento, mentre Gonzo lo trascina in situazioni sempre più pericolose.

Dopo aver fallito miseramente nel loro incarico, i due tornano a Las Vegas per coprire una conferenza antidroga (!). Anche qui la situazione precipita tra eccessi, fughe e un senso crescente di disperazione. Mentre la droga si dissolve e la realtà si fa più nitida, emerge un sottotesto malinconico: la fine di un’epoca, quella degli ideali degli anni ‘60, ormai inghiottiti dal cinismo degli anni ‘70.

Più che una storia lineare, il film è un flusso di coscienza visivo e narrativo, che alterna momenti grotteschi a riflessioni amare sul fallimento del sogno americano. Gilliam traduce in immagini lo stile iperbolico e caotico di Thompson, mescolando scenari distorti, colori acidi e inquadrature deformanti. Alla fine, Duke parte da solo nel deserto, lasciandosi alle spalle Las Vegas e il caos. La sua voce fuori campo, citando il romanzo, chiude il film con un ricordo di quello che era stato: un'epoca di speranza e ribellione, ora dissolta nel nulla.

Il monologo si articola in due parti ben distinte.

La paranoia e il caos di Las Vegas

La prima parte è ancora immersa nella follia del presente. Duke riflette sulle dinamiche della droga e sull'imprevedibilità di chi ne è dipendente. La città è un teatro di caricature grottesche: "venditori di auto usate di Dallas" che, all’alba, sono ancora lì a inseguire il loro sogno di grandezza. È l’immagine di un’America sfiancata, che si aggrappa a un'illusione destinata a crollare. Il sogno americano, in questa visione, è una farsa ripetuta all’infinito nei casinò, tra luci artificiali e vite consumate.

La nostalgia per un’epoca perduta

La seconda parte è un cambio di registro netto. Duke rievoca la San Francisco della metà degli anni ‘60, il periodo della Summer of Love, della rivoluzione culturale, del sogno di un mondo nuovo. Ma non lo fa con un tono celebrativo. Sa che quella sensazione di vittoria era un’illusione. "Qualunque cosa significasse." Questa frase, messa lì quasi come un ripensamento, smonta qualsiasi certezza. L’immagine dell’"onda" è il cuore del monologo. La metafora è potentissima: la controcultura era un'onda altissima, piena di energia, che sembrava destinata a travolgere tutto. Ma poi si è infranta. Non c’è stato un grande scontro, una battaglia epica. È semplicemente svanita, come un movimento che ha perso slancio, inghiottito dal tempo e dalle proprie contraddizioni.