Dalle Origini a Hollywood: La Storia dello Scenografo nel Cinema

Quando pensiamo a un film, spesso la prima cosa che ci viene in mente è una scena iconica: il futuristico skyline piovoso di Blade Runner, il mastodontico Overlook Hotel di Shining, la maestosa Roma ricostruita in Il gladiatore. Tutti questi film hanno qualcosa in comune: un lavoro di scenografia che va oltre il semplice sfondo e diventa parte attiva della narrazione. Ma chi c’è dietro questi mondi? Lo scenografo, un ruolo che ha attraversato un’evoluzione straordinaria, adattandosi alle tecnologie e alle esigenze narrative del cinema in ogni epoca.

La scenografia, prima ancora di essere un mestiere cinematografico, ha radici nel teatro. Fin dall’antichità, gli spettacoli dal vivo hanno fatto uso di scenografie dipinte, quinte e costruzioni architettoniche per trasportare il pubblico in mondi immaginari. Nel Rinascimento, con l’influenza di artisti come Leonardo da Vinci, la scenografia teatrale divenne un’arte sofisticata, con prospettive illusionistiche e ingegnosi meccanismi per i cambi di scena. Questo bagaglio artistico venne poi trasferito al cinema agli albori del Novecento, quando i registi si resero conto che il grande schermo richiedeva ambientazioni non solo credibili, ma anche espressive e funzionali alla storia. Nei primi anni del cinema, la scenografia era un concetto ancora rudimentale. I film delle origini venivano girati per lo più in teatri di posa, con fondali dipinti e pochissima profondità scenica. Georges Méliès, uno dei primi cineasti a comprendere il potenziale del cinema come mezzo espressivo, creò ambientazioni fantastiche e surreali nei suoi cortometraggi, come il celebre Viaggio nella Luna (1902). Méliès, che aveva un background teatrale, costruiva set elaborati che ricordavano le scenografie di un palcoscenico, dando così un’identità visiva unica ai suoi film.

Con l’arrivo del cinema narrativo e del montaggio, il ruolo dello scenografo divenne più strutturato. Il passaggio da scenari teatrali statici a vere e proprie ricostruzioni di ambienti diede al pubblico un senso di realismo inedito. Il cinema tedesco degli anni ’20 fu un momento cruciale per lo sviluppo della scenografia come elemento narrativo essenziale. Film come Il gabinetto del dottor Caligari (1920), con le sue scenografie espressioniste e distorte, dimostrarono che un set poteva essere molto più di un semplice sfondo: poteva rappresentare lo stato mentale dei personaggi e contribuire all’atmosfera del film.

Negli anni ’30 e ’40, con l’industrializzazione del cinema, lo scenografo divenne una figura professionale centrale nella macchina produttiva di Hollywood. Gli studi cinematografici americani iniziarono a costruire enormi backlot e set interni che ricreavano qualsiasi ambiente, dalle strade di New York ai palazzi dell’antica Roma. Era il periodo in cui il realismo veniva sacrificato in favore della spettacolarità visiva: i film non dovevano necessariamente ricostruire un’ambientazione in modo autentico, ma dovevano creare un mondo credibile e affascinante per il pubblico.

Uno dei primi grandi maestri della scenografia hollywoodiana fu Cedric Gibbons, storico direttore artistico della MGM, che contribuì a definire l’aspetto visivo dell’età d’oro del cinema classico. Il suo stile si distingueva per l’uso di spazi grandiosi, architetture imponenti e dettagli curati al millimetro. È a lui che si devono le sontuose scenografie di Via col vento (1939), che ricostruivano il Sud degli Stati Uniti prima e dopo la Guerra Civile, oppure gli ambienti fiabeschi de Il mago di Oz (1939).

Nello stesso periodo, l’industria hollywoodiana aveva già iniziato a sviluppare enormi set all’aperto per le sue produzioni più ambiziose. Il film Quo Vadis (1951), girato a Cinecittà, fu uno degli esempi più eclatanti: la Roma imperiale venne ricostruita con dettagli impressionanti, segnando uno dei primi casi di collaborazione tra Hollywood e gli studi italiani. Questo tipo di produzione sarebbe poi esploso negli anni ’50 e ’60 con i kolossal storici come Ben-Hur (1959) e Cleopatra (1963), che fecero della scenografia un elemento spettacolare fondamentale.

A partire dagli anni ’60, il cinema iniziò a muoversi in una direzione più realistica. Se i decenni precedenti erano stati dominati da set imponenti e artificiosi, il nuovo cinema d’autore e il movimento del Neorealismo italiano avevano dimostrato che girare in location reali poteva aggiungere autenticità alle storie. Film come Roma città aperta (1945) di Roberto Rossellini avevano mostrato il potere delle ambientazioni vere, girate per le strade di una città ancora segnata dalla guerra.

I grandi scenografi di Hollywood non scomparvero, ma si adattarono. Un nome su tutti: Ken Adam, che rivoluzionò la scenografia cinematografica grazie al suo lavoro sui film di James Bond. Con set audaci, futuristici e surreali, Adam contribuì a definire il look della saga, soprattutto con la spettacolare base del cattivo in Si vive solo due volte (1967), costruita all’interno di un cratere vulcanico. Adam collaborò anche con Stanley Kubrick per Il dottor Stranamore (1964), creando il celebre “War Room”, un set che divenne immediatamente iconico.

Negli anni ’80 e ’90, la scenografia si trovò a convivere con l’evoluzione degli effetti speciali digitali. Se prima tutto doveva essere costruito fisicamente, ora si iniziavano a sperimentare scenografie ibride, che combinavano elementi reali con fondali dipinti o effetti visivi. Film come Blade Runner (1982) segnarono un punto di svolta: la Los Angeles distopica del film fu realizzata unendo modellini, matte painting e scenografie fisiche, creando un mondo che ancora oggi è considerato uno dei più influenti della storia del cinema.

Oggi, il lavoro dello scenografo è cambiato ancora una volta con l’introduzione della CGI e delle tecnologie digitali. L’uso del green screen ha reso possibile la creazione di ambienti virtuali che non esistono nella realtà, come le vaste distese di Avatar (2009) o gli scenari ultradettagliati di Dune (2021). Molti registi stanno cercando di mantenere un equilibrio tra digitale e reale: Christopher Nolan, per esempio, ha ricostruito fisicamente molti set di Interstellar e Tenet per mantenere un senso di autenticità. Nonostante le nuove tecnologie, il ruolo dello scenografo resta fondamentale. La capacità di costruire mondi coerenti, di guidare lo spettatore attraverso uno spazio e di contribuire all’atmosfera di un film è un’arte che non può essere sostituita dalla sola CGI. Che si tratti di un kolossal storico o di un film intimista, la scenografia continua a essere uno degli elementi più potenti e visivamente affascinanti del cinema.