Monologo maschile - \"Copycat - Omicidi in serie\"

"Copycat – Omicidi in serie", diretto da Jon Amiel nel 1995, è un thriller psicologico che si inserisce in quel filone anni '90 di cinema poliziesco investigativo che gioca con le menti disturbate dei serial killer e le nevrosi degli investigatori. Sulla scia di titoli come Il silenzio degli innocenti e Seven, ma con un taglio leggermente più “procedurale”. La protagonista è Helen Hudson (interpretata da Sigourney Weaver), una psicologa criminale brillante ma profondamente traumatizzata. Dopo essere stata aggredita da uno dei suoi ex pazienti – il serial killer Daryll Lee Cullum (Harry Connick Jr.) – Helen sviluppa una grave forma di agorafobia. Vive rinchiusa nel suo appartamento ipertecnologico, comunicando solo tramite computer o telefono, completamente isolata dal mondo esterno. Quando una nuova serie di omicidi inizia a tormentare la città di San Francisco, la polizia – e in particolare la detective M.J. Monahan (Holly Hunter) – si trova davanti a un caso inquietante: gli omicidi sembrano ricalcare con precisione quelli compiuti da famigerati serial killer del passato come Albert DeSalvo (lo "Strangolatore di Boston"), David Berkowitz (Son of Sam) e Jeffrey Dahmer. Ogni delitto è una replica metodica, quasi accademica, un omaggio malato a chi ha ucciso prima.

Helen, inizialmente riluttante, viene coinvolta come consulente. Il killer si rivela un "copycat", cioè un imitatore. Non inventa, non crea, ma replica: uccide copiando i suoi “modelli” criminali con una precisione maniacale. La tensione psicologica cresce non solo perché il killer è brillante e imprevedibile, ma anche perché Helen stessa diventa un obiettivo.

Il film gioca su due fronti: da una parte c'è la caccia al killer, che segue la classica struttura del thriller investigativo. Dall’altra, c’è il percorso interiore di Helen, bloccata dentro una prigione psicologica fatta di fobie, flashback e senso di colpa. Il personaggio di M.J., la detective, diventa una sorta di estensione esterna della volontà di Helen, portando avanti sul campo ciò che la psicologa non può fisicamente affrontare.

"E’ questo quello che vuoi? Sei arrivato fin qui e dopo la prima brutta giornata vuoi già mollare tutto?" L’apertura è diretta, quasi brutale. Stanley non ha intenzione di consolare. Sta testando la determinazione di Bo. Questa frase è la prima spinta, come se volesse togliergli l’alibi del fallimento precoce. È un modo per provocare una reazione. "Ami questo gioco? Insomma, lo ami con tutto il cuore?" Qui si entra nel nocciolo emotivo. Stanley alza l’asticella: non basta amare il basket “in generale”, serve viverlo come una vocazione. Il cuore, non il talento, è il vero metro di misura. "L’ossessione batte il talento, lo batterà sempre." Questa è la frase. Il manifesto del film. Una dichiarazione che si oppone alla mitologia del “dono naturale”. Per Stanley (e per il film), non è chi ha più talento a emergere, ma chi è disposto a sacrificarsi, a vivere in funzione di quell’obiettivo. Il concetto di ossessione viene elevato a valore, ma attenzione: non viene glorificato. È visto come necessario, sì, ma anche pericoloso, quasi come una malattia che va controllata. "Tu hai tutto il talento del mondo, ma hai anche l’ossessione? È l’unica cosa a cui pensi?" Questo è l’apice della sfida. Stanley vuole capire se Bo è disposto a scommettere tutto. In quella frase c’è la consapevolezza che il talento da solo non basta. È un modo per smascherare la pigrizia emotiva, quella che ti fa fermare al primo ostacolo.

"Quando entri in quel campo, devi pensare io sono il miglior giocatore qui dentro, anche se hai LeBron come avversario." Questa è la parte più concreta: la mentalità da costruire. Non basta esserlo, bisogna crederci. Anche quando l’evidenza dice il contrario. È qui che il monologo passa da essere ispirazionale a strutturale: non ti sta solo motivando, ti sta dando le istruzioni per come sopravvivere a quel mondo. "Te lo chiedo di nuovo, tu ami questo gioco? Vuoi entrare a far parte dell’NBA? Beh, allora diamoci da fare. Mai mollare, chiaro?" Il finale è un cerchio che si chiude. La domanda torna, ma stavolta pretende una risposta. Non c’è più spazio per i tentennamenti. Non è più un incoraggiamento: è una dichiarazione di guerra. O dentro o fuori.